Mi Primer Book...

Estos últimos días había estado trabajando en mi primer book fotográfico & ahora está terminado. No es tan bueno como yo quisiera, así que espero algún día publicar mejores trabajos. El tema fue "Los siete pecados capitales" & aquí les comparto las fotos. 

SEGUNDO ROLLO... Reglas de composición fotográfica.

Primer proyecto personal...

A continuación hablaré un poco de lo que próximamente será mi primer proyecto fotográfico. Había tenido varias ideas en mente pero me decidí por el tema de la juventud. Así es, cuando uno es joven quiere comerse al mundo, somos seres inmaduros al parecer viviendo en un mundo paralelo, con sueños ingenuos, defendiendo mentiras, engañándonos a nosotros mismos y sufriendo por tonterías, pero cada joven es una ideología diferente. Lo que quiero expresar en mí trabajo son los rostros, las penas, alegrías, esfuerzos, problemas y vidas de distintos jóvenes como yo alrededor del país, unos trabajan, otros estudias, otros "ni estudian, ni trabajan", algunos privilegiados gozan de vivir en mansiones y disfrutar de una vida relajada, otros viven en las calles entre la inmundicia y los abusos de la sociedad, los que son explotados, los que quieren pasar desapercibidos, los que tiene ganas de expresarse, los que ríen, los que no ríen tanto. Qué nos hace tan iguales entre nosotros y tan diferentes a los demás en esta edad. Tendré la oportunidad de viajar a distintos pueblos y estados de la república para entender las diferentes circunstancias, ambientes, culturas y sociedades que van marcando a la juventud de nuestro país... "Juventud, divino tesoro?"

RETRATO...

Retrato: pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona, aunque no es necesario que el retrato sea de la cara de una persona. 

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.

En los retratos es muy importante que a las personas se les vea bien y existen muchas formas para resaltar la fisonomía como el buen uso de la luz, el fondo, la perspectiva y distintas reglas de composición. 

Por ejemplo: Las sombras resaltan las facciones de las personas y sin el uso de las sombras simplemente obtendremos una cara plana. 

Es recomendable quitarle importancia al fondo donde se esta retratando pues si no éste terminará por comerse al sujeto, aunque el fondo también es de mucha ayuda ya que éste ayuda a contextualizar la imagen. 

Si estabas pensando que para que una foto sea un retrato es necesario que aparezca la cara de una persona siento decirte que no es así. Fotografiar la espalda o cualquier parte del cuerpo puede ser una excelente opción, con mucho magnetismo y mucha fuerza. Lo que debes intentar es que la foto capte algo de la personalidad de la persona retratada o un momento especial.

Referencias:

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/retratos-fotografias-de-algo-mas-que-una-cara

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA...

Para obtener un buen registro fotográfico es necesario apoyarse en las reglas de composición que nos darán un diferente significado o lectura de cada una de nuestras fotos. Las reglas de composición existen para expresar por medio de los objetos, formas, colores, ambientes etc. y que nuestra foto realmente se lea como nosotros queremos. 

En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro.

La composición de una fotografía es un arte... y como tal no existen reglas ni limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no obstante, basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que los seres humanos percibimos y subjetivizamos las imágenes se han documentado una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y tener en cuenta para mejorar la transmisión de los elementos objetivos y subjetivos del tema y motivo de la imagen al espectador.

Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.

Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.

La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.

Regla de los tercios: Se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición.

Cielo & tierra: Depende de la importancia del cielo o la tierra es el espacio que se deja en el cuadro.

Dirección: La dirección hacia donde apuntan las partes del cuerpo . 

Líneas: Generan dirección de lectura, agresividad, profundidad. Éstas podrían ser las fronteras de áreas del color o del contraste que diferenciaba, o secuencias de elementos discretos, o el artista puede exagera o crea líneas quizás como parte de su estilo, para este propósito. Muchas líneas sin un punto sujeto claro sugieren caos en la imagen y pueden estar en conflicto con el humor que el artista está intentando evocar.

El movimiento es también una fuente de la línea, y la falta de definición puede también crear una reacción. Las líneas sujetas por medio de la ilusión contribuyen al humor y perspectiva lineal.

Cortes: No se deben hacer cortes e los dobles naturales del cuerpo como rodillas, codos, muñecas, de lo contrario el cuerpo parecerá mutilado. 

Encuadre: Consiste en la captura de la realidad exterior eligiendo y organizando los elementos que formarán parte de la composición del contenido de la imagen, es decir, aquello que el fotógrafo sitúa dentro de la fotografía y la porción de escena que elige captar.

El encuadre horizontal sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo.

Encuadre Vertical

El encuadre vertical sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado normalmente para retratos (entre otras cosas porque los seres humanos somos más altos que anchos). El encuadre inclinado transmite dinamismo, fuerza o inquietud y suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía. Mediante estos elementos a considerar cuando se realiza un encuadre es posible hacer una extraordinaria transformación e interpretación de la realidad.

Encuadre horizontal.

Encuadre inclinado.

Referencias.

http://es.wikipedia.org/wiki/Composici%C3%B3n_fotogr%C3%A1fica#Encuadre

http://www.fotonostra.com/fotografia/composicion.htm

VIDAS DE FOTOGRAFOS.

Fotógrafo: Aquella persona cuya actividad artística u ocupación consiste en tomar fotografías mediante el uso de una cámara o de otro dispositivo capaz de almacenar una réplica bidimensional de la realidad.

Así como en el cine a los actores, en la fotografía también existen fotógrafos que merecen ser recordados por sus inigualables técnicas, sus registros perfectos e increíbles historias detrás de cada una de sus imagenes inmortalizadas. 

HENRIE CARTIER-BRESSON

Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo. Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Marie Curie, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. También cubrió importantes eventos como la muerte de Gandhi. 

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia internacional de fotografía Magnum.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

Estudió pintura y literatura en Cambridge pero no fue sino hasta el año de 1931 cuando comienza su carrera como fotógrafo. Pronto es atraído por la fotografía deportiva donde puede captar momentos precisos. 

Henri tenía una teoría sobre la fotografía y su técnica ha sido ejemplo para muchos fotógrafos contemporáneos. 

*El mundo pasa rápidamente y nada se repite

*Inmortalizaba cualquier momento con sus "dibujos instantaneos

*Jámas recortó los negativos, composición rigurosa previa a la toma.

*Observa los personajes, ordena los elementos, dispara (momento decisivo)

GRACIELA ITURBIDE

Prestigiosa fotógrafa mexicana que obtuvo el importante premio Hasselblad de fotografía durante el año 2008. Considerada una de las mejores fotográfas de América, la mejor de México. Su fotografía esta descrita como fuerte y con una gran belleza visual. Documentalista. 

En 1969 curso estudios en la Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, y posteriormente fue asistente del fotógrafo Manuel Álvarez Bravo. Al poco tiempo de esto se produjo la repentina muerte de su hija de seis años y su vida así como su trabajo fotográfico cambiaron radicalmente. 

Graciela convirtió definitivamente la fotografía en su profesión, haciendo un trabajo sobre el general golpista Omar Torrijos en Panamá.

Posteriormente el pintor Francisco Toledo la invitó a Juchitán (Oaxaca, México), donde realizó su primera exposición individual.

FRANCISCO MATA

Fotógrafo contemporáneo nacido en la Ciudad de México en 1958. Obtuco la licenciatura en ciencias de la comunicación, se desempeño como fotoperiodista en el diario La Jornada durante seis años. 

Su trabajo fotográfico se ha publicado en muchos de los principales periódicos y revistas de Estados Unidos, España, Cánada, Inglaterra, Italia y México. 

Fue galardonado con el premio de dquisición en la Bienal en 1988. 

Su trabajo fotográfico es característizado por su sentido del humor e ironía que forman parte de nuestra realidad. 

MANUEL ÁLVARES BRAVO


Fotógrafo y cinefotógrafo mexicano. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad. antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.


Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara.


Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera y Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.




Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor consistió en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México.


Premios:

• Premio Nacional de las Artes por el gobierno de México en 1975.

• Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, por Francia en 1981.
• Premio internacional de la fundación Hasselblad por Suecia en 1984.
• Master of Photography del ICP en Nueva York, Estados Unidos en 1987.

Referencias Bibliográficas.

http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_photographers

EL DIAFRAGMA Y EL OBTURADOR.

EL DIAFRAGMA 

El diafragma o iris, es un conjunto de aspas mediante las cuales se puede controlar la cantidad de luz que ingresará a la cámara y posteriormente a la película. El diagrama cumple la misma función del Iris del ojo humano, abriéndose, en situaciones de poca luz, o cerrándose, en situaciones de mucha luz.

La apertura del diagrama se la mide en números f, también llamados f-stops, o simplemente stops. La relación de los números con la apertura del diafragma es inversa, es decir a mayor número de f-stops menor apertura del diafragma y a menor número de f-stops mayos apertura del diafragma.

EL OBTURADOR 

El obturador es una especie de cortina que bloquea el acceso de la luz a la película o al sensor, en el caso de las cámaras digitales y al apretar el disparador esta cortina se abre dejando pasar la luz a la película por un tiempo determinado, a este tiempo se le llama velocidad de obturación. La velocidad de obturación se mide en fracciones de segundo.

El dial de velocidades es la pieza en la cámara que permite regular la velocidad de obturación antes de crear un registro. 

En síntesis, con los números f del diafragma se controla la cantidad de luz que ingresará a la película, y con las velocidades de obturación se controla por cuánto tiempo la película estará expuesta a esa cantidad de luz. 

RELACIÓN ENTRE EL DIAFRAGMA Y EL OBTURADOR

Además de controlar la cantidad y la velocidad de la luz que entra a la película al trabajar en conjunto el diafragma y el obturador nos ayudan a obtener determinados y muy importantes efectos en las imágenes o registros. Entre estos se encuentra la profundidad de campo y consiste en poder ver nítida o no la imagen y esta puede ser abierta o cerrada. 

Claro que sí la imagen está enfocada o desenfocada depende del anillo de enfoque, también de la apertura del diafragma y por supuesto la distancia mínima del enfoque (50cm aproximadamente). 

Otro de los efectos generados entre el diafragma y el obturador es congelar y generar movimiento en las imágenes. Mientras más rápido se abra y cierre el obturador (velocidades de obturación altas) se podrá capturar el momento exacto, dando la sensación de congelar el movimiento. El inconveniente de querer lograr este efecto es que al abrirse y cerrarse rápidamente el obturador entra menos luz y la fotografía saldrá subexpuesta. Por otro lado, si utilizamos velocidades de obturación lentas y controlamos adecuadamente la cámara podemos generar movimiento, o al menos fotos movidas. Mientras el obturador este abierto la imagen que se impregna a la película y si llegamos a mover la cámara mientras el obturador este abierto igualmente ese movimiento que hagamos quedará impregnado en la película.

Referencias bibliográficas. 

http://www.scribd.com/doc/5707770/El-Diafragma-y-el-Obturador

LAS PARTES DE UNA CÁMARA...

Qué es una cámara fotográfica?

La cámara es una máquina que produce una imagen a partir de la luz reflejada por un sujeto u objeto. Por otro lado permite que esta luz influya sobre el material sensible que hay dentro de la cámara dejando un rastro que, una vez revelado forma la imagen. Para que se forme la imagen la luz debe pasar a través de un pequeño objetivo a una zona oscura y proyectarse sobre la pantalla. La cámara moderna, en lugar de un simple orificio, utiliza un objetivo con distintas aberturas o diafragmas y con un obturador que permite la entrada de luz en fracciones de tiempo controlables.

*Es de vital importancia conocer cada una de las partes que componen a una cámara así como su función, de tal manera podremos darle un mejor uso a nuestra máquina obteniendo resultados perfectos. 

CAMARA REFLEX

Una cámara réflex es una cámara fotográfica cuya imagen en el visor es producida por el propio objetivo, de manera que no hay el típico error de paralaje y vemos lo mismo que va a salir en la foto. Existen dos tipos de cámaras réflex: las SLR (réflex de un objetivo) y las TLR (réflex de dos objetivos).

Partes & Utilidades.

Lente:

Permite enfocar y diafragmar, su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto.

Dial de velocidades: 

Es el que selecciona la velocidad de obturación a la cual va a trabajar la cámara, las velocidades pueden variar dependiendo del modelo de la cámara. Abre las cortinas de obturación para permitir el paso de luz y hacer el registro. 

Visor: 

Es por donde se observa la imagen a ser fotografiada. Dependiendo del modelo y marca de la cámara puede verse a través de este: el fotómetro, el circulo de enfoque y otros datos como el diafragma y la velocidad.

Zapata para Flash: 

Es donde se inserta el flash en la parte superior de la cámara, puede tener los contactos para activar el flash como en las cámaras modernas o solo servir de soporte como en las antiguas.

Palanca de rebobinado:

Permite introducir la película en el chasis después de haber sido expuesta. Si no tiene, la cámara debe tener rebobinado automático.

Diafragma:

Esta formado por un conjunto de laminillas que solapan que dejan en el centro un orificio de diametro variable que controla la cantidad de luz que pasa a la película. 

Obturador: 

Es una especie de cortina que bloquea el acceso de la luz a la película o al sensor, en el caso de las cámaras digitales y al apretar el disparador esta cortina se abre dejando pasar la luz a la película por un tiempo determinado, a este tiempo se le llama velocidad de obturación.

Referencias bibliográficas. 


http://www.textoscientificos.com/fotografia/camara

MI FOTOGRÁMA.

Se denomina fotograma a cualquier imagen impresa mediante un proceso físico-químico en una película fotográfica, aunque también tengo entendido que pueden llegar a usarse en los celuloides del cinematógrafo.

Los fotogramas son impresos en la película mediante la entrada de luz a una cámara (regulada por un obturador) pero en este caso hablaremos de un fotograma creado sin el uso de una cámara mediante la colocación de objetos por encima de una superficie fotosensible como una película o papel fotográfico y la exposición posterior a la luz directa. 

Stencil.

Stencil en negativo. "The joker"

Primero se necesita crear un stencil: una imagen impresa de forma inversa en una hoja de acetato. Gracias a los grandes avances tecnológicos de nuestra era contamos con programas de edición fotográfica que nos facilitan la creación de diversos efectos en nuestras imagenes, en este caso tomé una imagen y apliqué el efecto de alto contraste en blanco y negro que destaca figuras y contornos en la imagen para después invertirla, es decir los valores de luz están invertidos con respecto al original (lo que es blanco será negro y viceversa). Se imprime la imagen en una hoja de acetato y con un plumón indeleble se remarcan por ambos lados todos aquellos trazos negros que quedaron una vez impresos en el stencil. 

El cuarto obscuro. 

Por obvias razones es indispensable la ayuda de un cuarto obscuro (sin luz roja ni de otro color) para llevar acabo un fotograma. 

En una ampliadora se coloca el stencil sobre una superficie fotosensible (papel fotográfico) y después se programa la ampliadora para que dispare por cierto tiempo la cantidad de luz necesaria y que la imagen quede impresa. Cuando se abre el objetivo de la ampliadora por un breve instante, la luz incide sobre el papel y deja sobre este la impresión de la imagen, que en este punto recibe el nombre de imagen latente, es decir una imagen invisible formada como resultado de la exposición que será visible mediante el proceso de revelado. 

Revelado. 

El proceso de revelado de la película blanco y negro consta de cuatro pasos básicos: revelado, baño de paro, fijado y lavado. 

Se coloca el papel en un recipiente que contenga el revelador, se agita de vez en cuando  para ir cubriendo totalmente el papel y la imagen comience a revelarse. Después se quita el papel del revelador para continuar con un baño de paro, este baño detiene la acción del revelador. 

Resultado final. 

A continuación se coloca el papel en un recipiente con el fijador el cual proteje la fotografía, una vez fijada ya no corre el riesgo de ser dañada por la luz. El lavado se realiza durante unos 5 minutos y con agua corriente, por último la fotografía se deja secar en un lugar que esté protegido de polvo u otras intoxicaciones. 

Es importante realizar todos estos pasos con mucho cuidado, ya que cualquier exposición a la luz o el simple roce de una uña puede dañar la fotografía. 

Lado izquierdo: stencil negativo. Lado derecho: fotograma terminado. 

SIN LUZ NO HAY FOTO....LA LUZ COMO MATERIA PRIMA.

Es bueno recalcar que una fotografía es un momento impreso a base de luz,  por lo tanto se convierte en nuestra materia prima y sobre ella se tiene que aplicar un proceso técnico creativo para obtener la imagen final. 

Comprender como funciona y viaja la luz es esencial porque determina el clima de una foto. Crea el ambiente y le da sentido a una imagen. La forma en que utilicemos la luz generará significados diferentes, por consiguiente está íntimamente ligado con el mensaje que intentemos dar a través de nuestra fotografía. Como forma de energía afecta a la naturaleza de los materiales que alcanza, determinando en ellos ciertos cambios.

La luz es una herramienta expresiva y de comunicación dentro de la fotografía.

Pero...

¿Qué es la luz?

Es energía electromagnética irradiada por un cuerpo luminoso. La luz se desplaza en línea recta. 

El espectro visible de la luz está comprendido entre los 400 y los 700 nn (1 nm = millonésimas de milímetro = 0.000000001 metros)

La longitud de la onda de luz determina el color de ésta. Newton demostró que luz estaba compuesta por el color y que en ella predominaba el rojo, el verde y el azul.

Dependiendo el material a donde sea dirigida la luz es el efecto que tendrá en este. 

Por ejemplo:

Los cuerpos opacos (como la madera y el  metal) bloquean la luz y absorben la mayoría de sus rayos, los cuerpos transparentes (como el cristal y el agua) se dejan atravesar por la luz. 

Las superficies texturizadas dispersan la dispersan en todas direcciones y la luz que reflejan es difusa, las superficies pulidas o cromadas (como el vidrio y el metal) reflejan la luz sin dispersarla y forman imágenes espectaculares.

La luz, al igual que el sonido, es una combinación de "tonos" de diferente frecuencia. Digamos que los tonos son al sonido lo que los colores son a la luz. 

La luz es entonces una combinación de colores (cada color de diferente frecuencia y longitud de onda). La luz blanca es una mezcla de rayos de luz combinados. Cada uno de estos rayos tiene su propia longitud de onda, y es la variación de esta longitud de onda la que permite obtener todos los colores posibles.   La luz determina la percepción de la forma y el volumen de los objetos.

La posibilidad de formar imágenes a través de un orificio pequeño es conocida desde la antigedad, y constituye la base de la cámara oscura. El proceso que ésta sigue es el siguiente: la imagen es producida de forma inversa (la luz viaja en línea recta), y para lograr la imagen en la forma correcta es necesario incluir una lente en nuestra cámara.

Cuando un rayo de luz alcanza un material transparente con un ángulo oblicuo, su trayectoria se ve alterada o refractada.  Si la luz atraviesa un bloque de vidrio los rayos son refractado y desviados.

Las lentes empiezan a integrarse en las cámaras en el siglo XIV. Existen dos tipos de lentes. 

Las lentes convergentes. 

Son más gruesas por el centro que por el borde, y concentran (hacen converger) en un punto los rayos de luz que las atraviesan. A este punto se le llama foco (F) y la separación entre él y la lente se conoce como distancia focal (f).

Las lentes divergentes.

Son más gruesas por los bordes que por el centro, hacen diverger (separan) los rayos de luz que pasan por ellas. Si miramos por una lente divergente nos da la sensación de que la luz procede desde el foco virtual. En las lentes divergentes la distancia focal se considera negativa.

En las lentes de las cámaras refléx podemos incluso encontrar los dos tipos de lentes combinados.

Gracias a la luz podemos hacer fotografía y crear determinados efectos en nuestras imagenes. Controlar la cantidad y el tiempo de exposición de nuestra película para obtener excelentes resultados es cuestión de práctica y esfuerzo. 

Información basada de: 


http://fotovolante.wordpress.com/2010/05/22/la-materia-prima-de-la-fotografia-la-luz-parte-1/- La luz y la fotografía. 


http://matandomomentos.blogspot.es/1305680700/- La luz, materia prima. 

ANTECEDENTES HISTÓRICOS DE LA FOTOGRAFÍA

La historia de la fotografía tiene sus antecedentes que arrancan con el descubrimiento de la cámara oscura, y las investigaciones sobre las propiedades fotosensibles de ciertos materiales.En aquel entonces la burguesía era la clase social dominante del momento & utilizaba el retrato como instrumento de auto representación, y afirmación de su ascenso social. 

La fotografía nace en Francia, en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. 

En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una cámara oscura. En 1826, consigue su primera heliografía, partiendo del betún de Judea o asfalto. 

                                    Cámara oscura y su efecto.

Louis Daguerre se asocia con Niépce, para seguir las investigaciones. Pero en 1833 fallece Niépce & Daguerre continúa hasta obtener un procedimiento fiable y comercial. El daguerrotipo se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia.

Ese mismo año 1839 se divulga mundialmente el procedimiento del daguerrotipo. El sistema consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie de plata pulida. La imagen se revelaba con vapores de mercurio, pero era un procedimiento caro & el equipo pesado, precisaba de un tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la salud. Así que el daguerrotipo presentaba varios inconvenientes & uno muy grande era que no se podían reproducir copias. 

Daguerrotipo

En 1840 William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en otro procedimiento llamado calotipo. Consistía en obtener un negativo de papel, que luego por contacto era positivado sobre otra hoja de papel, el papel se humedecía en una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada.

En 1842 el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel introduce el proceso llamado cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y "negativo" a las imágenes fotográficas. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.

En 1888, George Eastman lanzó la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó que pronto se sustituyeran las placas de vidrio.

En 1907 la fábrica Lumière comercializó la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio, conocidas como placas autocromas.

En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz que hay en el ambiente no es suficiente para tomar la fotografía. El flash es una fuente de luz intensa y dura.En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara tan sofisticada que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos.

Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.






Infomación basada de: 


http://www.fotonostra.com/histfoto.htm
http://www.difo.uah.es/curso/historia_de_la_fotografia.html